Cine y Cultura
Cuatro mundos propios se cruzan en KokoFest III: Rojo Arte, Rott, Ceiba y S’arente
Rojo Arte, Rott, Ceiba y S’arente compartirán sus trabajos el 21 y 22 de noviembre en Comodoro Rivadavia. Pintura, ilustración digital, personajes fantásticos y objetos intervenidos reúnen búsquedas personales, aprendizajes y distintas maneras de acercarse al público.
Un retrato de un gato pintado con los dedos, los dibujos que empezaron a tomar forma después de mirar videos en YouTube, una identidad elegida para cuidar la privacidad en las redes y un nombre nacido entre amistades vinculadas al rap y el graffiti. Los caminos de Rojo Arte, Ceiba, Rott y S’arente tienen comienzos diferentes. En KokoFest III, esas historias compartirán un espacio de encuentro con otros artistas y con quienes se acerquen a conocer sus producciones.
La tercera edición del festival se realizará el 21 y 22 de noviembre en Comodoro Rivadavia. Entre sus propuestas estarán los cuadros y parches de Mauro Iván González, las ilustraciones y personajes de Martina Nicole Colo, las exploraciones de Santiago Martínez y el universo de colores intensos de Yolanda Teresa Hielkama.
En sus trabajos aparecen referencias musicales, videojuegos, naturaleza, fantasía y experiencias cotidianas. Cada recorrido también contiene decisiones sobre materiales, formas de aprender y maneras de mostrar lo que durante mucho tiempo se construyó en la intimidad del dibujo.
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S’ARENTE Y LOS BARCOS DE PAPEL QUE NAVEGAN SUS SUEÑOS
“Recuerdo que de pequeña yo era mucho más feliz en una librería que en una juguetería”, cuenta S’arente. Los marcadores, los colores y los pinceles despertaban una atracción que apareció muy temprano, acompañada por su papá, Hilco Esteban Hielkema, artista plástico, artesano y formado en Bellas Artes.
“Me crié con un maestro. Apenas vio un destello de interés en mí respecto al dibujo y la pintura, me alentó a explorar mi lado creativo”.
A los once años comenzó a pintar con mayor intención y constancia, copiando logos de bandas de heavy metal y personajes como Los Simpson. En 2019, a los 17, compartía tiempo con personas vinculadas al rap y al graffiti. Ver sus firmas despertó la necesidad de encontrar una propia.
“S’arente significa ‘solo es transparente’, es una oración abreviada. Lo pensé mucho, me acuerdo. Estuve todo un día buscándolo. Quería que reflejase lo que siento cuando pinto o dibujo”.
Hacerse amiga del error es uno de los aprendizajes que recibió de su papá y que atraviesan su manera de crear. Junto con las conversaciones sobre perspectiva, contrastes y producción en serie, estaba esa invitación a aceptar lo que ocurre mientras una obra toma forma, incorporarlo y animarse a empezar otra vez.
“Mi papá tuvo mucho que ver con mi formación”, reafirma. Le enseñó “que no hay que enojarse con los errores, que son parte del proceso. También podés hacerlos parte de la obra y que se vuelvan intencionales… ¡Y en su defecto se vuelve a comenzar! ¿Cuál es el problema?”.
Aprender a transitar esa frustración también fue parte de su formación en dibujo y pintura. La posibilidad de probar, equivocarse y seguir se enlaza con otra enseñanza que conserva de aquellas conversaciones, la libertad para combinar herramientas y materiales.
“También me enseñó a no encasillarme. Si pinto con acrílicos, ¿por qué no puedo hacer sombras con lápices de colores sobre la misma obra? Los límites los pone uno”.
Esa disposición a experimentar encontró otro camino en la encuadernación. El mismo año en que nació S’arente hizo un taller intensivo de un día, donde aprendió a realizar cuadernos con telas estampadas de mercería o ropa reciclada. La experiencia terminó ocupando un lugar duradero en su producción.
“Como siempre pintaba, se me ocurrió pintarles las tapas a esos mismos cuadernos. Vamos a lo mismo, ¿por qué no? ¿Por qué no mezclar técnicas y materiales?”.
Los colores intensos tienen una intención definida. Busca contrastes que hagan circular la mirada entre la figura y el fondo. “Si el fondo es azul, la figura principal debe ser rosada, así funciona mi razonamiento”, explica. Esa relación genera una competencia visual que mantiene activos los distintos sectores de la pintura.
La naturaleza terminó ocupando el centro de su lenguaje, algo que reconoció después de haberlo desarrollado. “Sin querer creé un mundo que es fácil de reconocer, que habla por sí solo”. Hongos, ojos, soles, espirales y figuras femeninas forman parte de ese repertorio.
Su primer personaje apareció a los quince años, mientras hacía garabatos. Se llamaba Lucy y era una gusana que estaba pariendo un huevo desde la panza. “Ella fue la primera, y la primera en tener esos ojos huecos tan característicos de mis dibujos”.
Algunos elementos se repiten por una afinidad estética. Otros guardan historias particulares, como los barcos de papel que aparecen en homenaje a su papá, que trabajaba como jefe de máquinas y se embarcaba durante temporadas largas. En sus pinturas, esas figuras quedan suspendidas en el instante anterior a desaparecer en el agua.
Los gatos también tienen un origen cercano. Son, en esencia, Azrael, “el Wachín”, su gato naranja. “Él es el logo de mi marca y nació el mismo año que nació S’arente, así que caminamos juntos desde el principio. Cosas tan cotidianas y llenas de amor como él terminan convirtiéndose en la identidad misma de mi trabajo”.
Las emociones alimentan la producción. Amor, desencanto, melancolía y alegría encuentran maneras de aparecer, aunque el público pueda leerlas desde su propia experiencia.
“Creo que mis mejores obras fueron cuando tenía algo en lo profundo de mi ser esperando su momento para salir”, expresa. “Eso es lo mágico de la pintura, la libre interpretación”.
Una de esas lecturas ajenas le dejó una pregunta que todavía resuena. “Una vez me dijeron que las mujeres que pinto, ese personaje recurrente que aparece siempre, soy yo. La verdad que nunca lo interpreté así, pero me dejó recalculando. Capaz que sí, pero solo faltaba que me dé cuenta yo”.
Van Gogh y Dalí están entre sus referencias. Las curvas y las espirales comenzaron como un homenaje a La noche estrellada y fueron transformándose con el tiempo. También siente afinidad con el surrealismo y con la construcción de un mundo onírico donde aparecen elementos de la vida cotidiana y de la naturaleza.
La música acompaña ese imaginario. “Me crié en un ambiente de heavy metal y esa intensidad se filtra directo en lo que hago”.
En la composición, el tres y sus múltiplos organizan grupos de estrellas, espirales u hongos. A ellos suma guías lineales que orientan el recorrido de la mirada. La escritura participa del mismo proceso. “A veces escribo una frase y de esa frase nace un dibujo, y otras veces es completamente al revés, del dibujo surge la palabra”.
Prefiere pintar sobre tela o madera entelada por su textura y por la resistencia que necesita para trasladar las piezas. “Yo vivo de las ferias, de mostrar mi trabajo en movimiento, así que recurrir a materiales que se adapten a ese estilo de vida fue una necesidad real”.
La repetición de figuras le permite profundizar en ese mundo. “Se volvieron parte de mi propio abecedario visual. Volver sobre una figura una y otra vez es como un ancla”. Algunas ideas se convierten en series porque siente que todavía tienen algo para decirle.
Llegó a KokoFest en la segunda edición, después de completar el formulario de inscripción. Había visto fotos de la primera y quería participar. “Siempre dije que Comodoro tiene un abanico muy grande de artistas que son buenos, realmente buenos de verdad”.
Aquella experiencia amplió su interés por llevar las imágenes a otros formatos. En la tercera edición, que se realizará el 21 y 22 de noviembre, presentará más stickers, pines y prints.
“Fue súper enriquecedor estar ahí y ver esa dinámica. Me abrió la cabeza para que la gente pueda llevarse un pedacito de S’arente a su casa en formatos accesibles y cotidianos”.
Entre sus búsquedas actuales aparece la incorporación de elementos de la Patagonia. Hace poco pintó una guanaca a partir de una sugerencia del público, que le propuso hacer más visible el lugar de origen de sus obras.
“Lo tomé como una sugerencia totalmente válida. Así que en esta edición van a ver ese cruce entre mi universo de siempre y la tierra que habitamos”.
También quiere explorar más murales, remeras, gorras y otras superficies. Este año viajó por primera vez con su obra, se anotó en Cultura y empezó a reconocerse como diseñadora de la ciudad.
“Siento que este fue un añoa, se abrieron varias puertas. Mis expectativas se superaron totalmente, pero sé que todavía hay más, siempre hay algo más para explotar y seguir creciendo”.
ROJO ARTE, UN DISCO SONANDO Y LAS MANOS LLENAS DE PINTURA
Mauro Iván González recuerda una de sus primeras ventas en una feria, cuando tenía 17 años. Había pintado un cuadro de Queens of the Stone Age y la persona que se acercó terminó compartiendo algo más que el interés por llevarse esa imagen.
“Al ser un álbum, lo primero que hicimos fue hablar de los temas, cuándo lo conocimos, qué momento de la banda nos gustó más y recomendarnos música similar”, cuenta sobre esa primera experiencia. “En ese momento trataba de acompañar todas mis obras con alguna pieza musical, ya sea porque tiene que ver con el diseño o quizás porque era lo que escuchaba cuando lo estaba pintando, y es una práctica que no quiero dejar morir”.
La música atraviesa su vida y su producción. Pintar álbumes es una actividad que disfruta y que hace tiempo quiere recuperar. “Es divertido explorar música, ver las portadas y sentir una oleada de ganas de pintar”. Para alguien que reconoce escuchar música en todo lugar y momento posible, trabajar sobre esas imágenes se siente como una manera de devolver la inspiración recibida.
El nombre Rojo Arte viene de la secundaria, cuando empezaron a llamarlo “el Rojito” por la presencia del rojo en su estilo y en su pelo. “No quise dejarlo morir y decidí que mi emprendimiento lo llevara, aunque nunca imaginé que se volvería tan reconocible y que ese apodo evolucionara a mi nombre artístico”.
Desde la primaria quería estudiar arte. Dibujaba en los recreos por diversión y pensaba esa práctica como un hobby. En la secundaria encontró la posibilidad de compartir sus trabajos y conseguir algunos ingresos. Sus primeras pinturas fueron regalos, hasta que empezó a acumular tantas que venderlas también se convirtió en una forma de hacer lugar para seguir.
Inició el secundario en la Escuela de Arte 746, en la modalidad de Audiovisuales, aunque terminó sus estudios en otra institución. Allí aprendió técnicas digitales. Más adelante, durante el encierro de 2020, encontró unos acrílicos y una hoja de plástica.
“Al no tener pinceles usé los dedos para pintar un retrato de mi gato. Mi vieja, después de que le regalara como tres retratos de los gatos y viendo que me movía con algo, me compró una increíble cantidad de acrílicos y pinceles para que siga experimentando”.
En 2023 asistió al taller Tu Sueño, con Alejandra Almonacid, donde profundizó en la pintura acrílica sobre fibrofácil. También atravesó las dudas y la frustración de enfrentarse a una obra. En la cuarta clase, mientras trabajaba en su primer cuadro, llegaron las lágrimas por la incertidumbre sobre cómo continuar.
“Por suerte el ambiente me apoyó muchísimo. La profesora y todas las compañeras con más experiencia me confesaron que ellas igual se estresan o lloran por sus cuadros. Esa experiencia me animó a no trabarme y solo buscar aire cuando una obra se siente pesada”.
En paralelo aprendió decoupage con Rita Catalán Quiroz. Con el tiempo, esas herramientas comenzaron a acercarse a sus propios intereses, entre la naturaleza, las figuras esqueléticas, las referencias musicales y una sensibilidad próxima a lo gótico. El diseño de tatuajes de estilo ignorant también le permitió encontrar dibujos de líneas que disfruta trasladar a cuadros pequeños.
“Lo delicado invita y lo oscuro se queda. Me gusta pensar que esa es la forma en la que están armados mis cuadros, fondos livianos, diseños planos de colores llamativos y figuras que representen cierta oscuridad en lo que cuentan”.
Los trabajos más detallados le permiten desarrollar ideas grandes y volver sobre técnicas aprendidas al comienzo. En las piezas sencillas presta atención a la producción de stock y a las combinaciones cromáticas. “Cada color está pensado minuciosamente para generar contrastes estéticos únicos”. Cuando trabaja con más capas y sombras, busca que las luces sean “absurdamente llamativas” y que, aun así, se sientan cómodas dentro de la obra.
Las superficies también sugieren diseños. Una forma de madera puede orientar una imagen, mientras que una caja encargada para regalar requiere pensar en la persona que la recibirá y en el lugar donde será utilizada.
“Me gusta pensar que la gente se ve reflejada en los diseños que se llevan a casa y se vuelve parte de ellos”, expresa.
Para los cuadros suele diseñar en digital, trasladar el boceto al papel y transferirlo sobre el fondo ya pintado. Después trabaja las líneas y termina con barniz al agua. En las cajas combina pintura, lijado y decoupage. Para los parches diluye acrílico en suavizante y dibuja nombres de bandas con colores que contrasten. Las manchas del papel de transferencia y las burbujas que pueden romper una imagen durante el pegado están entre las dificultades que exigen más cuidado.
Actualmente intenta organizar los encargos, el stock para las ferias, los turnos de tatuajes y el tiempo para pintar por iniciativa propia. “Aún no termino de encontrar el equilibrio”. Mientras acomoda esos tiempos, comparte los procesos para que sus clientes puedan seguir el avance de los trabajos.
En ese recorrido destaca a su mamá, que sostuvo su aprendizaje y se anotó al taller para acompañarlo; a sus profesoras; a su pareja, Farid, que lo ayudó a enfrentar la ansiedad y a abrirse al tatuaje; y a Noelia, con quien aprendió otras maneras de descansar y recuperar inspiración.
Después de recorrer las primeras dos ediciones de KokoFest como público, esta vez estará del otro lado de la mesa. “Ser parte de esta tercera edición me llena de alegría sabiendo que cada artista que veía en los stands era un artista local conocido”.
Llevará cuadros pequeños con trabajos de líneas, parches pintados a mano, llaveros de madera con decoupage y algunas pinturas más detalladas. Quiere seguir explorando el momento actual y recuperar otras etapas cuando termine los pedidos pendientes. Entre sus aprendizajes aparece algo que le causa gracia después de tantos años dedicado a las líneas. “Si hay algo que estoy aprendiendo actualmente es a colorear”.
ROTT DIBUJA LO QUE SUS PERSONAJES LLEVAN POR DENTRO
La relación de Martina con el dibujo empezó durante la infancia, acompañada por familiares que alentaban su creatividad. Desde los diez años estudió con Liliana Ostrovsky y actualmente se forma en pintura digital con Gioia D´lucas. Los videos de YouTube también fueron parte de ese aprendizaje, junto con las salidas a eventos artísticos.
“Creo que lo que más influyó en mis experiencias fueron los eventos artísticos donde mi tía me llevaba, los cuales me ayudaron a inspirarme y formarme de la forma en la que soy”, cuenta Martina.
Rott surgió como una identidad para compartir sus trabajos en las redes cuidando su nombre completo. Eligió ese nombre a partir de un videojuego que le gustaba en aquel momento.
En sus ilustraciones conviven personajes propios y figuras de universos que sigue con interés. Sus historias, sus personalidades y el atractivo de sus diseños intervienen en la elección. “Mis personajes propios son muy queridos por mí”, dice, aunque reconoce que muchas veces se encariña con otros que tienen historias complejas.
Al reinterpretarlos presta atención al lenguaje de las formas y al concepto que los sostiene. La apariencia también le permite contar algo sobre sus vidas y sus vínculos.
“Un detalle que me gusta añadir en mis diseños es el uso de joyería barata o cara. Demuestra la importancia que le da un personaje al aspecto, también su situación económica y/o vínculos con otros personajes”, explica.
Cada expresión depende de la situación que atraviesan y de cómo responderían según su personalidad. Para describirlo imagina momentos muy diferentes, desde un chico abrazado a su mascota en el sofá hasta una pelea detrás de un callejón.
El color acompaña esas decisiones. “En mis ilustraciones los colores principales son cálidos al ser momentos de confort; en otras piezas los colores son fríos al retratar una situación de brutalidad. Las emociones de cada personaje influyen mucho en cómo elijo mis paletas”.
Antes de empezar, prueba en un lienzo aparte cómo se verán los personajes en su estilo y qué colores utilizará. Después organiza la composición, busca referencias y arma tableros en Pinterest para acercarse a la esencia de cada figura. En ese momento también piensa la atmósfera y cuánto quiere desarrollar la imagen.
“Considero qué tan simple lo quiero hacer o qué tan complicada me quiero hacer la vida”, cuenta. Con esas decisiones resueltas avanza sobre el boceto, el dibujo y el color, en ocasiones trabajando sobre una sola capa.
Utiliza tableta digital y Krita, con pinceles de texturas o bordes más duros según la pieza. Durante el acabado mantiene en mente un punto hacia el que quiere dirigir la mirada. “Cuando estoy satisfecha con el resultado final o cuando me da miedo arruinar la pieza es cuando la considero terminada”.
Entre sus referencias menciona a Tamakuz, Scott Pilgrim, Psycho Cuties, artistas de la comunidad de Deltarune y los anuncios y animaciones de Brawl Stars. También le interesan el terror, los creepypastas y las maneras de explorar temas como la violencia y el secuestro.
Al mirar su recorrido reconoce cambios en las proporciones, los colores y las sombras. “Antes me enfocaba demasiado en el lineart y perdía demasiado tiempo en cada uno de los detalles, en vez de enfocarme en la imagen principal”. Hoy encuentra en los colores uno de los rasgos que más identifican sus dibujos, junto con el uso de las formas.
Su profesora Gioia le avisó que KokoFest abriría la participación a adolescentes y la orientó en la preparación. El acompañamiento de ella y de su tía fue importante para llegar a esta segunda participación.
“Me pone muy feliz el saber que puedo compartir espacio con muchos artistas capaces y de gran ambición”, expresa.
Llevará llaveros, libretas, pines y obras propias. Elige las ilustraciones que considera más bonitas o interesantes y también tiene en cuenta su relación con algún fandom. En el encuentro con el público espera que se perciba una parte del trabajo que lleva cada imagen.
“Lo que más me gustaría que alguien descubriera en mis ilustraciones sería el esfuerzo en las texturas y la composición de cada pieza, porque las texturas son algo que me toma tiempo”.
EN LOS OJOS DE CEIBA CABEN MUNDOS POR DESCUBRIR
Santiago Martínez empezó a interesarse por el dibujo tradicional después de mirar creadores de contenido artístico en YouTube. Su formación fue creciendo mediante la práctica y la experimentación, hasta que decidió compartir sus trabajos como Ceiba.
“Me gustaría que otros también se animen a compartir su camino como artistas”, cuenta. Mostrar lo que hace tiene para él esa posibilidad de acompañar a quienes sienten timidez o miedo frente a la exposición de sus dibujos y procesos.
El nombre le llamó la atención por su relación con los árboles. Al conocer su significado encontró una representación que le resultó importante y decidió adoptarlo.
Durante sus primeros aprendizajes recurrió a referencias de Pinterest. Con el tiempo empezó a buscar otras alternativas y a descubrir posibilidades en cada ilustración. “Eso me permitió descubrir nuevas partes de mi arte que fui encontrando con cada dibujo que hacía”.
La fantasía es una de sus principales fuentes de inspiración. Los videojuegos, las películas, las ilustraciones y los artistas que encuentra en las redes alimentan sus ideas.
“Me gusta imaginar mundos diferentes al nuestro, con criaturas, personajes e historias propias”, explica. Entre las búsquedas que quiere profundizar están las representaciones de distintas culturas y el vínculo de la naturaleza con esos mundos.
“Me interesa combinar elementos que conozco con otros que creo en mi imaginación. Siento que esa mezcla me permite crear personajes que resulten familiares, pero que al mismo tiempo tengan algo extraño o fantástico”.
En los rostros busca personalidad y una apariencia que despierte curiosidad. Le interesa que quien los observe pueda imaginar qué sentimiento expresa cada personaje. Los ojos vacíos o poco definidos intervienen en esa construcción.
“A veces dejar los ojos vacíos o poco detallados genera misterio y permite que la expresión tenga diferentes interpretaciones. Me gusta jugar con lo ambiguo y ver cómo puede cambiar la percepción de un personaje dependiendo de su mirada”.
Las emociones también aparecen mientras improvisa. Las formas, las expresiones y las sombras pueden conducir una imagen hacia la tranquilidad, el misterio o cierta inquietud. “Si tengo que elegir, prefiero transmitir tranquilidad”.
La luz le permite mostrar algunas zonas y mantener otras ocultas. El tratamiento cambia según la idea, entre líneas definidas o una exploración más suelta de sombras y texturas. Va probando hasta encontrar una manera de trabajar que lo convenza.
“Me gusta trabajar en grises porque puedo concentrarme más en las formas, las sombras y los contrastes. Cuando utilizo colores más intensos, siento que puedo jugar mucho más con las sensaciones que transmite el dibujo y darle otra personalidad”.
Alterna el papel con las herramientas digitales. Los bocetos tradicionales le sirven para practicar y como referencia para trabajos posteriores. Utiliza principalmente Procreate, por su facilidad de uso y las posibilidades de experimentar con capas, colores y texturas, aunque también reconoce herramientas de Clip Studio que amplían otras opciones.
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Entre sus ilustraciones hay personajes propios y ajenos. Actualmente tiene uno con una historia desarrollada. En otros casos, las posibilidades del personaje aparecen durante el trabajo.
“Muchas veces esos personajes nacen sin que sepa demasiado sobre ellos y voy descubriendo lo que pueden dar de sí mismos, incluso sus posibles historias”.
Su manera de dibujar fue cambiando en las formas, los diseños y el uso del color. “Todavía tengo mucho por aprender, pero me interesa seguir construyendo un estilo en el que pueda sentirme reflejado”.
KokoFest representa una oportunidad para compartir esa búsqueda y conocer otras formas de crear. “Estos espacios ayudan mucho a quienes estamos empezando a mostrar nuestras creaciones y permiten formar una comunidad artística más grande”.
Presentará una selección de ilustraciones en prints y stickers, con variedad de dibujos que representen su trabajo. También espera escuchar las reacciones de quienes los vean por primera vez.
“A veces alguien encuentra un valor o un significado en una ilustración que yo no había tenido en cuenta, y eso me parece bastante interesante”. Saber qué personajes llaman más la atención le permite descubrir otras miradas sobre sus imágenes y pensar qué le gustaría desarrollar después.
